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空間 | 形相 | 絵画
Space | Form | Painting

藤田龍平
Ryuhei Fujita

2019.12.23-2020.1.31
月-金 | Mon-Fri 3-8pm
土日休廊・年末年始(12.29-1.4)休廊 | Closed on Sat/Sun & Year-end/Newyear period (12.29-1.4)

 京都・奈良を拠点として活動する日本人画家の藤田龍平は、単純な文様を壁や路上へと無数に書き連ねる、粘土による線を空間の基層に張り巡らす、あるいは吹き流しを空に泳がせるといった行為を、あくまで「絵画」として制作しています。ひとつひとつの要素としては誰にでも模倣できる線やふるまいを慎重に重ねていくことで、藤田はイメージを自らの身体や技巧や思考から引きはがし、それを少しづつ場に移し替えながら絵画的な空間を織り上げていきます。作者の存在が次第に消滅していくにつれ、描かれるイメージと描き出される場所は互いに漸近し、表裏一体の「図と地」の関係へと収斂していきます。作品とそれを体験する場の分かちがたいこの往還関係において、藤田はイメージであり同時にその枠組み(フレーム)となるような絵画の探究を続けています。
 本展「空間|形相|絵画」は、写真用35mmネガフィルムロールの表面に無数に十字状の文様を掻き連ねた小作品《原形質の探究》を本棚一段の小さな空間に展示するものです。フィルム表面を覆う単純な線の交差のひとつひとつは、それまでに描かれたものに影響されつつ、そこから描かれるものへも影響することで、宙づりにされた時間の中でそれぞれに揺らぎながら、その集合を有機的な連続体へと紡ぎ上げています。これまでも藤田は文様の反復と差異を頼りにイメージと場の直接的な応答から生まれる作品を制作してきましたが、本作品では藤田は延々と平坦に続くかのようなフィルムロールを抽象的な空間と見立てることで、場の条件を保留してイメージの内部作用そのものに向き合っています。
 顕微鏡の登場を背景として細胞の発見者の一人となったチェコの生理学者ヤン・E・プルキンエが1839年に提唱した「原形質」は、当時の科学が目に捉えることのできた生命体の最小構造として、生物を生物たらしめるものとしての神秘的な意味を与えられました。19世紀前半の科学者が顕微鏡の向こう側の景色に想い描いたこの原初の存在をメタファーとして、藤田は自らの制作の最小単位である線の現れと、その描線を導く文様と、その反復と差異が紡ぐ変容に、さもなければただ漠然と広がっていたはずの平面や空間にかたちと意味を与える絵画の生成原理を探究します。
 本展に先立ち、藤田は絵画をイメージの体験の枠組みを整える条件(化)と捉えて、ふたつの個展を行っています。ひとつめの「絵がない壁。色のない形。残らない線。絵画の条件。」(KOMAGOME 1-14cas, 2017)では、絵画の形式と内容がともに不在なままで白紙的な空間にいかにして絵画の体験が立ち上がりうるかが、そして翌年の「絵画の条件 - 同棲」(KOMAGOME 1-14cas, 2018)では、すでにイメージに溢れた絵画教室という環境の中でイメージの生成過程が複数共存するための余白がいかにして保持されうるかが、それぞれ異なる組み立ての実験によって模索されました。そして、「絵画の条件 - 同棲」の翌月に当時の生活と制作の場であった横須賀市鴨居の入り江に面するアトリエで「小作品の展示」として開催された写真家・那須悠介との二人展「風景を背にして」(海のアトリエ, 2018)では、但し書きと展示名にも示されるように、個物として一定の自律性を有した小作品とそれが展示される場の相互作用を探るために、その入り江の時間と空間を収斂させたタブローと現実に広がる入り江が並置されました。こうしたイメージと場の関係を巡る藤田の一連の試みにおいて、《原形質の探究》は、場の条件に先立ち、イメージが自律的に生成する秩序と原理をその出現から遡及的に手探りするものであり、本展「空間|形相|絵画」は、ひとつの場を条件として、一定の自律性を有した作品の「設置」というイメージの場に対する事後的な作用が体験としての絵画の条件をいかに整えうるかを試すものといえます。
 事物の内奥に本質を見いだそうとするこの試みは、さらに時代を遡行して、古代ギリシャの哲学者アリストテレスが個々の実体に不可分に結合するものとして提唱した、素材としての質料にかたちと意味を与える本質としての形相を想起させます。もし絵画の原形質となる形相があるとすれば、それは質料という触れられる実の素材を作品としての絵画に導くだけではなく、同じ形相の生成原理に基づいて、物質と空間の表裏一体の関係の中でまさに図と地が軽やかに反転するように、空間という触れることのできない虚の素材を体験としての絵画へと導くことも、自ずと考えられるのではないでしょうか。その終わりのない反転の瞬間を探究する藤田の新たな実験をどうぞご覧ください。

藤田龍平:

作家ウェブサイト www.ryuhei-fujita.net/


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Tana Gallery Bookshelf

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Ryuhei Fujita:
Born in Kyoto and currently based in Kyoto and Nara.
Artist Website www.ryuhei-fujita.net/


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アントロポセンの物質 | Anthropocenic Matter
ミシェル・ザカライアス | Michelle Zacharias

2019.8.9-10.9
月-金 | Mon-Fri 3-8pm
土日休廊 | Closed on Sat/Sun

九州と首都圏を拠点に活動するカナダ人アーティストのミシェル・ザカライアスは、大気のように広がるイメージが特徴的なドローイングとペインティングを主に手掛けています。正体の定かではない線や形の集まりからなるザカライアスのほぼ抽象的ともいえるイメージの多くは、空気の流れといった不定形の移ろいゆく現象を扱っており、さもなければ視界に映らないものへと姿を与え、日常の認識の世界へとそれらを誘います。

本展では、精製された埃によるモノクロームのドローイングである「Asian Winds」(亜細亜の風)シリーズから二点を紹介します。このシリーズは、ザカライアスが様々な場所へと出かけ、その空気に含まれる微粒子を抽出することで収集した顔料でドローイングを制作するものです。このプロセスによって生まれた色は、その場所のみならず、その場所が世界の他の場所とどのような関係にあるかも示しており、サイトスペシフィックであると同時に関係性的なものといえるでしょう。このいわば「ファウンド・ピグメント」を用いてザカライアスが描くモチーフには、水と風の流れに覆われた地球のイメージが度々含まれています。そのようにして、ザカライアスのモチーフとプロセスと素材のすべては、地球上のあらゆる場所が、その上を巡るさまざまな循環によって、複雑かつ必然的に結びついていることを表現しています。まるで旅行記のように、ザカライアスの作品はひとりの観察者と無数の旅する物質が、ほんの少しのあいだ、この地球の上のどこかでひとつの場所をともにしたできことを記録しています。展示される作品のひとつは展示会場である美学校の埃を用いたものであり、もうひとつの指先で描かれた抽象的なドットの一群は北九州の埃を用いています。

ザカライアスのディープ・エコロジカルな美学は、人間の活動が地球環境に甚大な集合的影響を与えていることが明らかになったアントロポセンの時代をよく反映しています。もはや「人間の手がまだ触れない」ものとしての自然は存在しませんが、人間/自然の二項対立に基づいたこの古い幻想の代わりに、この世界のこれまで気づかれることのなかった側面を発見する新しい意識と感性が生まれつつあります。ザカライアスのドローイングには微細な色の違いがあり、その各々の色味は透明と思われていたはずの空気の中にたしかに存在する微視的な物質の独自の構成を表しています。そしてその構成は、自然界のできごとだけではなく、周辺の工業活動や都市生活にも大きく影響を受けています。私たちはその物質の中で生活し、それらを体内に取り込んでさえいます。ともすれば存在を認識されないこれらの事物を色彩へと捉えることで、ザカライアスの描き出す「空気の色」は現象の世界において人と人ならざるものの領域の境界線を動かし、私たち人間の存在を、同じひとつの世界において、他の様々な物体とともに埋め込まれたものとして再定義します。

ミシェル・ザカライアス:
日本に20年以上住んでいるカナダ人アーティスト。今日本のアーティストかカナダのアーティスト? いつでも、どこでも、新人の感じをして、中からじゃなくて外から見られる気がする。主に色鉛筆を使って制作活動を行っており、京都芸術祭で国際芸術賞を受賞した。複雑な色使いと混沌とした作風が保守的だとか、芸術的すぎるとの批評家のコメントも理解しているが、彼女にとって芸術とは、商業的でも概念的でもなく、自分自身が楽しんで取り組むものなのだ。
(アーティスト自身によるステートメント)
VIEWED FROM THE OUTSIDE (作家ウェブサイト) www.mzacharias.com


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Tana Gallery Bookshelf is pleased to present a solo exhibition of artwork by Canadian artist Michelle Zacharias. Currently based in both Kyushu and Kanto, Zacharias mainly works in painting and drawing with uniquely atmospheric imagery. In the nebulas of unidentifiable curves and shapes, her nearly abstract motifs deal with formless and ephemeral phenomena such as air currents, inviting the otherwise invisible into the visible or in other words, bringing that which is usually unseen into the domain of our perception.

The exhibition features two pieces from the "Asian Winds" series of monochromatic drawings. In this series, Zacharias travels to various places and collects pigments by extracting fine particles from dust in the air. The resulting color is both site-specific and relational, because the atmosphere of a microclimate represents not only a specific location but its complex relation to the rest of the world. Then the artist uses this found pigment to draw motifs that often involve the flow of wind and water over the earth. As such, Zacharias's motifs, process, and materials suggest the complex and inevitable connectedness of any place on the earth to the rest through various types of circulatory systems all over the globe. Similar to a travelogue, her work records the encounters of a human observer and non-human travelers sharing the same space for a moment, somewhere on the earth. One of the two pieces on display was drawn with dust collected from the building where the exhibition is held, and the other, a constellation of abstract fingerprint dots, was created with dust from Kitakyushu.

Zacharias's deep ecological aesthetics well reflects the age of anthropocene, in which our human activities have been proven to have a considerable collective impact upon the environment worldwide. There is no longer such a thing as nature untouched by human hands, but in the void of the old fantasy based on the human/nature dichotomy, we see a new sensitivity and a consciousness that enable us to discover hitherto unknown aspects of the world. Zacharias's drawings have a subtle variation in color, each of which represents the unique configuration of microscopic matter that exists in the apparently transparent air. It is influenced not only by natural environments but also by industrial activities and urban lives in the neighboring areas. We live in this matter or even take some into our bodies. Capturing those things that are otherwise non-existent in our perception of the world, the colors of air that Zacharias shows us push the boundary between human and non-human domains in the world of appearance, redefining the way we see ourselves and other things as deeply bound together in one and the same world.

This exhibition is held as part of the "Bigakko Chronicle 1969-2019" exhibition, celebrating the 50th anniversary of the art school in which the gallery is located. A related mini-exhibition is also concurrently being held at Cafe 104.5 in Ochanomizu, Tokyo.

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Michelle Zacharias:
Born in Canada but currently resides in Japan.
Born in Canada but currently resides in Japan. As a visual artist, Michelle Zacharias always seem to be on the outside looking in. As a Canadian in Japan, that is definitely the case. Is she now a Canadian artist or a Japanese artist? Although this is the 21st century in a digital world, she is decidedly analog and works primarily in etching, conte crayon, and coloured pencil. Too conservative for the artsies and too artsy for the conservatives; too analog for the digital age and too abstract or organic for those painstakingly doing photographic copies. Do labels like these even work in an international or Internet context?
VIEWED FROM THE OUTSIDE (artist website) www.mzacharias.com


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Naked Composition
CBA

2019.4.7-6.30
cafe 104.5 (Ochanomizu, Tokyo)
www.cafe1045.com/

TANA Gallery Bookshelf is pleased to present Naked Composition, a solo exhibition by Japanese painter CBA, at cafe 104.5 in Ochanomizu, Tokyo. Featuring four large scale paintings and new experimentation with a sewing machine, the exhibition introduces the artist's exploration through aesthetics intrinsic to color, line, and composition.

Composed primarily of plain colors and handdrawn lines, CBA's work incorporates these elements into expressive painterly strokes to create abstract imagery with abundant negative space. Despite its resemblance to early abstract expressionism as well as to later action painting, CBA's work subtly evades the ethos of all-over painting that tacitly accepts the given frame to identify its space. Instead of extending the space of painting beneath or beyond the defining surface (as in Supports/Surfaces or minimal and post-minimal process art), CBA rather modestly returns to abstract languages intrinsic to the realm of image and exlores primary elements such as color and line, and, above all, composition as the agent that reconciliates individual elements into an organic whole before they reach an entropic end all-over canvas. Thus maintaining rich negative spaces between respectively expressive elements based on carefully prepared composition, the artist's de-entropic operation resists the simple arithmetic of adding up layered constituents, and this rather subtractive accumulation sculpts out a unique space of painting that defines itself. Neither bound to formalist faith in literal entity nor trapped in old-fashined illusionism or the paradoxically representational modernist aethetics of the unrepresentable or nihilistic post-modern semiotics, CBA exemplifies still unexhausted possibilities of painting in its basics.

The exhibition consists of two series from CBA's new works. On the main wall is a panorama of four large scale paintings. Each with a different background tone, their surfaces are marked with graffiti/calligraphy-like absract lines that interweave negative spaces between these. On other walls are experimental sewn canvas pieces that translated the process of abstract composition into material scratch with a sewing machine.

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Line Fragment
Anne Leigniel

2018.11.21-12.21
Mon-Fri 3-8pm
Closed on Sat/Sun

TANA Gallery Bookshelf is pleased to present Line Fragment, a solo exhibition by London-based French artist Anne Leigniel. Travelling around Europe and Asia, with Japan being one of her frequent destinations, Leigniel has developed the bodies of fragile and often ephemeral works in different forms and materials. Among her diverse oeuvre, Leigniel continues experimentations on line through multiple series of monochrome or subtly colored minimalistic line drawing, which easily allude to Eastern calligraphy including Japanese sho but hardly belong to any particular tradition.

Physically fragmented yet strongly coherent as a perceived image at a time, the nebula of lines in Leigniel's drawing induces a unique aesthetic experience where the visible and the invisible interplay coequally to carry a still formless impression. Like a constellation composed of discrete stars, individual strokes come together into a continuous flow with its invisible in-between spaces activated as though they existed alike. It is little known that post-war modern and avant-garde calligraphy in Japan critically explored the dichotomy and amalgam of representation (as moji [character]) and painterly abstraction (as hi-moji [non-character] or boku-sho [sumi-ink impression]), just as Western formalism painting did albeit differently with following spectacular conceptual progressions that have become art historical cannons. However, probing still unexplored ambiguous realms between presence and absence, Leigniel's subdued concentration on line itself and its intangible effects on negative space reminds us of the now almost forgotten history of avant-garde sho and sheds new light on its rich conceptual legacies such as shinsen [spirit line] or hitsui [mind of stroke] coined by Nankoku Hidai, the father of avant-garde calligraphy and ink abstraction.

In fragmental presentation, the exhibit offers an extraction of imaginary continuation that would extend before and after the very visible part of it. Through this allusion to the residual, Leigniel furthers the concept of ma [negative space] from inward to outward, i.e., from the physical space between definite objects to what dwells only ephemerally in the indefinite stream of mind.

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Anne Leigniel
Lightness and ephemeral are recurring themes in her work and the line; weather physical or abstract wandering through her work link the difference bodies of work. Using simple elements in different medium and with a minimal spirit, the artist creates a poetic dimension allowing breathing spaces and silent gaps, inviting the viewer into a contemplative meditation.
www.anneleigniel.com

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Related Event

Anne Leigniel participates in the exhibition "parallèles // obliques" and performs during reception party.
Please visit the link below for more detail.

www.echangeur22.com


parallèles // obliques
Thiago Antonio
Guillaume Barborini
Flavie L.T
Won Jy
Alexandre Kato
Takashi Nakajima
Shotaro Yoshino

2018.11.21-12.2
at Sumiyoshicho Arai Building (Kannai, Yokohama)


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Tokyo | Kanda
Chiyoda, Kanda Jinbocho, 2 Chome-20, Daini Fuji Building 3F